13 de fevereiro de 2018

AMEDEO MODIGLIANI


Germaine survage

   - Tais Luso de Carvalho

Enquanto Van Gogh, Monet, Degas e tantos outros artistas pintaram verdejantes paisagens, Amedeo foi o mais urbano dos artistas.

Vários filmes foram feitos, outros tantos livros escritos mostrando um artista romântico, conturbado e boêmio que freqüentava as boates e cafés do bairro artístico. O encontro com o escultor Constantin Brancusi marcou a carreira de Amedeo, que por um longo período abandonou a pintura pela escultura. Suas esculturas mostravam forte influência da arte africana e cambojana que provavelmente conhecera no Musée de l'Homme. Nota-se seu grande interesse pelas máscaras, evidenciando os olhos.


Impressionado pelo cubismo, foi muito influenciado por Cézanne, Toulouse-Lautrec e Picasso e visto, em particular, como herdeiro espiritual de Botticelli, devido à graça linear de sua obra. De 1909 a 1914 dedicou-se principalmente à escultura, quando a guerra, então, dificultou a obtenção da matéria prima.


Alcoólatra e viciado em haxixe, pintava suas telas em estúdios imundos de Monparnasse. Para sobreviver vendia caricaturas nos bares e até pedia esmolas.


Contudo, foi o maior retratista de uma época. E foi aos 22 anos, quando chegou à Paris que desenvolveu seu estilo, muito particular, e pelo qual ficaria conhecido. Sua obra tem como característica o contorno das figuras, sempre demarcado.


Seus nus femininos - sensuais – são vistos como os melhores já produzidos. A plasticidade é forte, numa síntese estrutural perfeita. Todos seus nus são retratos incendiados pela paixão carnal. Vê-se, isso, nas obras de suas inúmeras amantes, nas porteiras dos prédios, nas aristocráticas que o protegiam. Durante algum tempo o poeta polonês Leopold Zborowsky foi quem financiou suas obras.


No final de sua curta vida, estava melancólico e indiferente. Os quadros foram ficando suaves e acinzentados, quebrados apenas pelo vermelho dos lábios das mulheres.


Teve uma filha com Jeanne Hébuterne, 14 anos mais jovem. Tentou preservá-la de seus ataques conturbados e imprevisíveis, porém não conseguiu poupá-la da miséria e de uma perspectiva de vida financeira melhor. Grávida do segundo filho, ao saber da morte de Amedeo, atirou-se do 5º andar de um prédio.


Modigiani nasceu na Itália / Região de Toscana em 1884 e morreu em Paris aos 35 anos, tuberculoso e numa completa miséria. Foi sepultado no célebre cemitério do Père-Lachaise.

The Amazon
Lalotte / 1916
Jeanne Hébuterne, com quem teve um filho


Amedeo Modigliani


referências: Dicionário Oxford de Arte
Grandes pintores / Paulo R. Derengosky

2 de janeiro de 2018

ALDO LOCATELLI



- por Tais Luso de Carvalho

Aldo Locatelli nasceu em Bérgamo, no norte da Itália no ano de 1915. Como tirou o 1º lugar num curso de Decoração da Escola Aplicada de Bérgamo, foi-lhe dado uma bolsa de estudos, em 1932, para a Escola de Belas Artes de Roma, onde se dedicou a estudar os afrescos de Michelangelo na Capela Sistina, assim como as obras de Rafael, Botticelli entre outros grandes pintores.

Entre 1943 e 1945, durante a Segunda Guerra Mundial, trabalhou em sua primeira obra na Catedral de Gênova. Suas obras religiosas estão no Santuário de Mulatiera, Paróquia de Santa Croce, Convento das Irmãs S.S.Consolatrice, em Milão, Catedral de Gênova, cúpula da igreja Nossa Senhora dos Remédios, Santuário Nossa Senhora da Pompéia, Colégio da Consolata, em Milão entre outros.

Viajou para o Brasil em 1948 a convite do bispo de Pelotas / RS, Dom Antônio Záttera para pintar os afrescos da Catedral de São Francisco de Paula.

Daí em diante permaneceu no Brasil, com sua esposa Mercedes Bianchieri, acompanhando-o desde seus trabalhos na Itália, e com ela teve dois filhos.

Em Porto Alegre, Locatelli foi solicitado a pintar o grande mural do Aeroporto Salgado Filho, o painel central da Catedral Metropolitana, o mural da UFGRS, o mural da sala dos músicos no Instituto de Belas Artes do Estado do Rio Grande do Sul onde foi convidado a lecionar. Em 1954 naturaliza-se brasileiro.

Sua obra-prima é a Igreja de São Pelegrino, em Caxias do Sul, que levou 10 anos até seu término. Sua obra não se restringe apenas em representações de cunho religioso: retratou o povo gaúcho, e a história com um enfoque no futuro.

Além de suas obras na Europa e no Brasil – especialmente no Rio Grande do Sul -, deixou sua marca e reconhecimento como um dos grandes artistas.

'A Catedral de Nossa Senhora da Conceição - Diocese de Santa Maria é um prédio com predomínio do barroco e neo-clássico cuja construção iniciou em 1922. Seu interior com belos altares em talha, vitrais e uma importante série de pinturas de Aldo Locatelli sobre a vida da Virgem Maria'. (Jacqueline M Fabrin)

Faleceu em 1962 em Porto Alegre, aos 47 anos, de câncer - vitimado pela inalação continuada dos produtos químicos provenientes das tintas.

Vídeo da série Negrinho do Pastoreio do Palácio Piratini.

Algumas de suas obras no Brasil:

1949 – Catedral de São Francisco de Paula
1950 - Mural ‘A Conquista do Espaço’ Aeroporto POA
1951 – Igreja de São Pelegrino, Caxias do Sul
1952 – Igreja Santa Terezinha do Menino Jesus
1954 – ‘Do Itálico Berço à Nova Pátria Brasileira’ / Caxias do Sul
1957 - Painel Central da Catedral Metropolitana
1958 - ‘As Profissões’ / UFRGS
1960 – Painel para Federação das Indústrias do RGS
Série de pinturas sobre a Virgem Maria / Catedral de Santa Maria-RS

Clique nas fotos para aumentar



Catedral de Santa Maria - clique para aumentar fotos


Coroação da Virgem Maria / 
Altar -mor - Santa Maria / RS 

Igreja São Pelegrino / Caxias do Sul


As Profissões - 1958 - Mural na Reitoria da UFRGS

Formação histórica-etnográfica do povo Rio-grandense 
3,95 x 6,20 - Porto Alegre

Negrinho do Pastoreio rezando à Nossa Senhora /
 Palácio Piratini


Negrinho do Pastoreio / Cancha reta / Palácio Piratini

Negrinho do Pastoreio  
O Revolteio do Cavalo Baio  / Palácio Piratini

Negrinho do Pastoreio 
 Gineteando o baio nos céus / Palácio Piratini

Do Itálico Berço à Nova Pátria Brasileira



Outras obras...
Aparição de Nossa Senhora
Estância
Morte do Negrinho
Primeiro Castigo
Segundo Castigo
Amarrado na Soga
Parada Morta
Aposta
Três Viventes 
Estancieiro Solitário
A Guerra
Auto Retrato Pecuária e Indústria
O Gaúcho
Índio Missioneiro
A família Sulina
A Fundação de Rio Grande - entres outras...




'A Arte não é para agradar, mas sim para emocionar. 
É uma janela que um pintor abre para outros homens, para mostrar um mundo que eles não vêem, mas que precisam e devem sentir'.
(AL)

Livro sobre obra e vida de Aldo Locatelli: 
'Locatelli no Brasil' - Luiz Ernesto Brambatti
(598 fotos de suas obras)


Foto de abertura: clique em Capa de livro
http://vbaco05.ucs.br/arte+aldo+locatelli


14 de dezembro de 2017

AUGUSTE RODIN



 - Tais Luso de Carvalho

Um dos maiores escultores que o mundo já viu chama-se François Auguste René Rodin que nasceu em Paris, 1840 e faleceu em Meudon em 1917 / França.

Oriundo de uma família muito pobre, foi motivo de chacota por sua falta de habilidade acadêmica, então se tornando um homem bastante reservado. Trabalhou 3 anos como pedreiro ornamental. Começou com seus desenhos profissionais aos 13 anos. Suas esculturas eram feitas em argila, gesso, mármore e bronze e tornaram-se inconfundíveis, pois Rodin desenvolveu uma técnica perfeita, para pele, músculos e expressões faciais.

Contudo, não era reconhecido pelo seu talento, e pela primeira vez, aos 18 anos, foi rejeitado pela École de Beaux-Arts de Paris.

Suas primeiras obras foram criadas em monumentos desenhados por outras pessoas, e em ateliês movimentados. Na década de 1860, muito frustrado por não ser aceita sua produção artística, sofreu um colapso emocional. Passou algum tempo num monastério, para se recuperar. Quando melhor, alugou um atelier onde começou a contratar alguns modelos.

Em 1875, Rodin visitou a Itália, onde se inspirou na arte clássica, principalmente nas obras de Michelangelo Buonarroti.

Sua perfeição era tão grande ao retratar o corpo humano e suas proporções tão exatas que, ao mostrar suas obras foi acusado de trapacear por usar molde de uma pessoa, sem esculpir o modelo.

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Sua primeira grande obra foi As Portas do Inferno / 1880. Foi planejada para ser a entrada de um museu que nunca foi construído. Parte das 200 figuras que compunham a obra feita, Rodin usou algumas de suas figuras como obra independente, como no caso de O Pensador. A obra encomendada ficou como inacabada, fato que o angustiou até o final de sua vida. As várias moldagens da estrutura foram tiradas após a morte de Rodin. A composição geral é uma espécie de recriação romântica dos Portais do Paraíso elaborados por Ghiberti para a Catedral de Florença; as figuras contorcidas e angustiadas, lembram o juízo final de Michelangelo.
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Daí em diante – 1880 -, adquiriu fama e prestígio. Passou a produzir obras famosas como: O Pensador / Os Burgueses de Calais / O Beijo / O Ídolo eterno / O Homem com o Nariz Quebrado / A Idade do Bronze / Camille Claudel / A mulher Agachada / O Anjo caído / Balzac / O Beijo / La France / Torso de uma Mulher.

Pelo seu entusiasmo pela beleza feminina adquiriu a fama de eterno sedutor. Trabalhou em seu atelier com grandes escultores, entre os quais Camille Claudel, sua famosa aluna e amante, que o retratou em A Valsa.
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Sua antiga casa, em Paris, abriga o Museu Rodin. Existe outro Museu Rodin na Filadélfia.
Mas foi por volta de 1850 que sua saúde começou a deteriorar, por causa da depressão – por causa da falta do reconhecimento artístico. Com a morte da irmã em 1862, Rodin entrou novamente para um monastério. Porém, um padre amigo, percebendo que Rodin não tinha vocação religiosa, o aconselhou a voltar a esculpir para que pudesse se recuperar. O padre chamava-se Eymard, que Rodin também o esculpiu.

A influência de Rodin para o desenvolvimento da arte moderna é extraordinário: num esforço solitário ele resgatou a escultura da inércia em que se encontrava, abrindo caminho, nesta área, para a expressão individual.


Fontes: Dic. Oxford de Arte
Grandes Artistas - Stephen Farthing


2 de novembro de 2017

BARROCO / INTRODUÇÃO



Igreja Santiago de Compostela
   
UM POUCO DA HISTÓRIA DO BARROCO 


O período conhecido como Barroco,  que abrange os sécs. XVII e XVIII da arte européia, pode ser encarado como um meio-termo entre a Renascença e a era moderna. Num certo sentido foi a retomada da Renascença.

Como todas as fases da arte, o Barroco passou pela conhecida sequência de ascensão,  apogeu e declínio. Mas a semelhança com a Renascença vai ainda mais longe. Os artistas do Barroco e da Renascença defrontavam-se, essencialmente, com os mesmos gêneros de tarefas e trabalhavam, predominantemente, para os mesmos clientes: a corte, a aristocracia e a Igreja.  

O Barroco foi um termo estilístico para descrever a arte que surgiu primeiro na Itália, pouco antes de 1600, florescendo até meados do séc. XVIII espalhando-se pela França, Alemanha, Áustria, Polônia, Espanha e colônias espanholas além-mar.

Em italiano e francês circulou como um sentido metafórico que significava qualquer ideia enrolada ou um processo tortuoso e intrincado de pensamento.

A sua aplicação à arte só começou na segunda metade do séc. XVIII, durante a ascensão do Neoclassicismo. Era até certo ponto um estilo em oposição aos valores clássicos.

O crítico italiano Milizia escreveu em 1797: ' o Barroco é a última palavra em bizarria; é o ridículo levado a extremos. Borromini caiu no delírio, ao passo que, na sacristia de S.Pedro, Guarini, Pozzi e Marchione adotaram o Barroco'

No séc. XIX a palavra continuou a ser usada para certos aspectos da arquitetura italiana seiscentista, embora a hostilidade para com o estilo se propagasse às outras artes e também à arte de outros países. Só depois da publicação de 'Renaissance und Barock – de H.Wölfflin, 1888, foi que o Barroco neutralizou-se para fins de história da arte, mesmo que aplicado a um período anterior – 1530 e 1630.

Apenas na Alemanha era respeitada, no resto da Europa era considerada, ainda, uma continuação aviltada da arte da Renascença.

Na Inglaterra e na América o preconceito popular contra o Barroco manteve-se até quase a II Guerra Mundial. Desde então teve aceitação - em parte - devido à disposição contemporânea em considerar qualquer estilo segundo os seus próprios méritos, em vez de julgá-lo de acordo com padrões estéticos abstratos e devido a audácia do Barroco para o gosto moderno.

Igreja de Jesus, Roma de arquitetura de Giacomo Vignola, iniciada em 1568: o uso barroco de materiais ricos e decoração com ornatos como meio de glorificação a Deus e apêlo às emoções do crente, é apresentado nestas fotos. No início a decoração era despojada e só recebeu a sua presente forma no final do séc XVII. Pinturas da cúpula e nave por Gaulli - de 1672 a 1683.



O pioneiro desta arte, torneada, ousada e cheia de rebuscamentos luxuosos foi o italiano F. Barromini no século XVII. O barroco mostrou-se não só nas artes propriamente dita, mas também na literatura e na música. O ponto alto eram os detalhes. Tudo estava de acordo com as aspirações da época, pois a soberania européia aspirava por um estilo que exaltasse seus reinos, demonstrando com isso, todo o poder que tinham. 

Notabiliza-se pelo dinamismo e movimento das formas, violentos contrastes de sombra e luz para obtenção de intensos efeitos expressivos, bastante emocionais, ora patéticos, ora suntuosos. Essa movimentação das formas dramática ou decorativa, observa-se também na arquitetura e na escultura.


O Barroco no Brasil / clique aqui
O Barroco e a Igreja Católica / aqui 

  

8 de outubro de 2017

JACEK YERK E SUA OBRA SURREALISTA

Outono - Jacek Yerka

Yerka nasceu em Torun (cidade no norte da Polônia) em 1952. Trabalha e reside, com sua família - esposa e 4 filhos - em um enclave rural de sua terra natal. Estudou arte e ilustrações antes de se tornar um artista em tempo integral, em 1980.

Yerka resistiu às pressões constantes de seus instrutores para adotar as técnicas com menos detalhes e rumar para a arte contemporânea. Porém sentiu que perderia o fascínio pela pintura, pela criação. O que aconteceu foi a constatação de seus professores em acreditar na arte maravilhosa de Yerka proveniente de seus sonhos de infância, de sua imaginação.

Sua família era de artistas. Seu pai era responsável pelas ideias, enquanto sua mãe elaborava com perfeição tais ideias. E foi nesse meio que Yerka cresceu.

Foi uma criança muito reativa, com problemas de adaptação com seus colegas de colégio, não participava de jogos ao ar livre, gostava de desenhar, trazer à tona seus sentimentos, a sua realidade íntima, seus sonhos. Era uma fuga da realidade..

Pensava em estudar astronomia ou medicina. Em 1980 já trabalhava para várias galerias de arte em Varsóvia, como também aceitando encomendas, dedicando-se quase que exclusivamente à pintura.

Em 1995, o artista foi premiado com o renomado World Fantasy Award como o melhor artista. Suas obras estão presentes na Polônia, Alemanha, França, EUA, entre outros tantos países. Tornou-se conhecido no mundo inteiro com seu surrealismo fantástico.

Low cost airlines

Espuma - Jacek Yerka

Tectonic - Jacek Yerka

Barragem Bíblia
A cidade está pousando
Cloudbreaker

Movimento Surrealista - clique aqui.


10 de setembro de 2017

PEDRO ALEXANDRINO / um show de Natureza-morta

Maçãs e uvas - Pinacoteca de São Paulo

          - Tais Luso de Carvalho

Pedro Alexandrino nasceu na cidade de São Paulo em 1856.
Em 1939, a Exposição Nacional do Rio de janeiro concedeu seu prêmio máximo a um artista de 83 anos: Pedro Alexandrino Borges. A premiação além de um reconhecimento pelo valor do trabalho apresentado, expressava também a admiração do público e da crítica especializada por uma vida inteiramente dedicada à arte.
Com apenas 11 anos, em 1867, o garoto paulista Pedro Alexandrino iniciava-se na pintura trabalhando com Claude Joseph Barandier, artista francês. Sua primeira obra – um retrato – foi executada um ano depois, iniciando-se assim uma carreira que continuaria até 1942, ano de seu falecimento.
Durante muito tempo Pedro Alexandrino trabalhava sucessivamente com diversos outros pintores brasileiros e franceses – em decoração.
A partir de 1880, Alexandrino recebeu lições regulares de desenho com o pintor João Boaventura Cruz, e logo em seguida começou a trabalhar sozinho em decoração, restaurações, painéis e outros trabalhos de pintura.
O contato com o grande pintor Almeida Jr., com quem passou a trabalhar e estudar em 1882, foi decisivo para sua arte. Foi com o grande mestre que seu gosto pela natureza- morta se acentua, e através de sua influência que conseguiu, finalmente, uma pensão para estudar na Europa, partindo para Paris em 1896, depois de cinco anos de estudos na Imperial Academia de Belas-Artes do Rio de Janeiro.
Os longos anos de sacrifício, estudo e dedicação foram proveitosos: na Europa Alexandrino estudou na Academia Cormon e com Antoine Vallon. Expôs, com regularidade no Salon des Artiste Français e em Baden-Baden, Veneza, Versalhes e Mônaco, sendo premiado nas duas últimas. E ainda agraciado com a Legião de Honra e a comenda da Coroa da Itália, figurando como artista de mérito da Academia de Gênova.
Voltando ao Brasil, em 1913, Pedro Alexandrino passou a viver exclusivamente de seus quadros e de aulas de pintura. Entre seus alunos estavam Anita Malfatti, Tarsila do Amaral e Aldo Bonadei.
Apesar de ter sido um pintor contemporâneo ao impressionismo e de ter assistido ao desenvolvimento da arte moderna, Alexandrino manteve-se fiel à sua arte: a natureza morta, às pesquisas sobre a matéria, com sua veracidade de brilho, opacidade e relevo.
Morreu em São Paulo no ano de 1942 de broncopneumonia. Foi um dos mais destacados artistas desse gênero.


A copa - Museu Nacional de Belas Artes
Metal, cristais e abacaxi
Composição: Jarra de metal e bananas
Aspargos
Natureza-morta / coleção particular


Referências: Pintura no Brasil / Arte nos Séculos – Abril Cultural

23 de agosto de 2017

A ARTE DAS CHARGES E CARICATURAS




            - TAIS LUSO
      
Os cartunistas e chargistas são artistas maravilhosos que têm o dom de mostrar com humor, pimenta, ironia e com traços acentuados das pessoas (o que deforma), quando uma realidade cambaleia. Mostram situações absurdas, ridículas ou safadas do nosso cotidiano, aproveitando certos detalhes que se salientam no físico da pessoa. Esses detalhes fazem a diferença na obra, juntamente com a ideia inteligente.

Os chargistas têm a habilidade para, através do desenho, fazer uma crítica político-social do momento; é aquele artista que faz sátiras de acontecimentos atuais, utilizando-se de ilustrações conhecidas como caricaturas.

Eles são rapidinhos, e o campo é muito fértil. Há uma variedade interminável de 'acontecimentos', e todos entenderão - rapidinho - a podridão do Reino... E sem o uso de muitas palavras. Às vezes, nenhuma. E tudo com leveza, humor, sutileza e pimenta calabresa.

Mostram tudo: a devassidão, a roubalheira, o cara dissimulado, os acordos ou favores trocados, enfim, a transgressão.

São esses artistas que contam e deixam registrados os abusos e as safadezas da época, e de uma maneira incomum. Mostram o azedume da situação e chamam a atenção a quem possa estar meio por fora... Penso eu, que essa é uma arte que agrada aos  gregos e troianos. Todos nós gostaríamos de poder dizer o que eles dizem com escracho e com deboche: 'Aí, cara, te pegamos com a mão na botija, seu safado!' O efeito de uma charge é grande e não tem bate-boca.

O homem sempre sentiu a necessidade de se expressar através do desenho e da pintura. E chargistas e caricaturistas não são diferentes. Os escravos desenhavam - na senzala - os bigodes arrogantes do seu 'senhor' ou partes protuberantes da 'senhora' ou da 'sinhazinha'. Desenhavam com carvão.

Esses artistas disparam seus mísseis com inteligência, com criatividade, com muita observação, com astúcia e gozação. Com um simples lápis atingem o alvo escolhido: o povo!


Ronaldinho Gaúcho / Tiago Hoisel


por Hoisel

por J Bosco

Saramago- por Tuba

por Paulo Caruso





caricaturas e charges dos espaços abaixo:
Paulo Caruso
J Bosco
Tiago Hoisel
Grafar